Guión de Cine

El guión es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. Es algo muy sencillo y con un cierto parecido a una novela. Se desarrolla completamente un argumento teniendo en cuenta que todo hay que filmarlo, grabarlo y montarlo. El guión son los diálogos, las escenas, las secuencias, y una descripción minuciosa y pormenorizada de lo que los actores hacen en escena. El guión es el «montaje en borrador» de una película. Es muy importante que un escritor de guiones sepa de cine, de montaje, de los entresijos del rodaje, de la dificultad de realizar determinados efectos y que tenga idea de lo que cuesta económicamente realizar una película. En definitiva que sepa lo que se puede y lo que no se puede hacer en el cine.

Story board
Las etapas para escribir un guión
Para estructurar un mensaje es imprescindible saber qué se quiere expresar a través de él. Aquí entra en juego la cantidad de conocimientos del guionista sobre lo que escribe. El guionista antes de dar un orden al mensaje debe tener su mente repleta de información sobre el tema.
El conocimiento puede venir de muchas fuentes: la experiencia personal, el trato con los demás, la lectura de prensa o literatura, el visionado de fuentes audiovisuales o el acceso a información de las grandes redes informáticas. Todo ello puede englobarse en una labor investigadora y dentro de ella una labor de documentación. Se habla de investigación porque tanto las entrevistas personales como la visita a hemerotecas forman parte de ella.
Cuando se escribe un guión se hace en varios tiempos que corresponden a diferentes escalas o tramos de un guión.
«Sinopsis». Es un resumen muy breve del relato, que sirve para que el productor se fije en la idea. Suele tener unas pocas páginas, cinco o seis.
«Redacción novelada o Tratamiento». Es la redacción del relato como si fuera una descripción novelada, de forma lineal en cuanto a la visión que la futura película va a dar. Puede tener entre cuarenta y sesenta páginas.
«Guión literario o continuidad dialogada», cuando la redacción novelada se convierte en secuencias y escenas, en las que los diálogos y la explicación de los lugares de acción, lugar y tiempo son especificadas con claridad. No es necesario que tenga más de ciento treinta páginas.
«Guión técnico»: No todos los directores lo exigen y es muy variada su forma de realización. Su base es el «Guión literario», que se divide en planos, escenas, secuencias, siendo en realidad un montaje en borrador. No tiene por qué tener más de ciento cincuenta páginas.

Story board
La estructura del guión
Un guión se divide en secuencias, que son como los actos de una obra de teatro. Cada secuencia lleva un encabezamiento que indica el lugar y el momento en que se va a desarrollar. La secuencia se subdivide en escenas. Cada escena comprende uno o varios planos, rodados en el mismo ambiente y con los mismos personajes.
La estructura del guión, como se dice más arriba, no tiene normas objetivas. Cada director, productor o guionista, las más de las veces en conjunto, deciden aquello que es necesario que conste en el guión.
Un guión puede comenzar así:
«Secuencia 1ª' Entrada del Zoológico. Exterior. Día». Eso quiere decir que hay que rodar la primera secuencia en el exterior de un parque de zoológico, durante el día.
A continuación se describe la acción de la secuencia. Cuando hablan los personajes que intervienen en la acción, se destacan de manera clara sus diálogos.
Cada vez que cambia el lugar donde se vaya a rodar la escena, o el tiempo -día o noche-, se pasa a otra secuencia.
El guión de una película comercial, de hora y media de duración, se compone de cincuenta a setenta secuencias.
El «story board»
El «storyboard» es el dibujo detallado de todas y cada una de las tomas de la película. Cada director lo hace de forma diferente. Acompaña al guión y es una herramienta de suma utilidad en el momento del rodaje.
Un «storyboard» es esencialmente una serie grande de viñetas de la película o alguna sección de la película producida de antemano para ayudar a los directores y los cineastas a visualizar las escenas y encontrar problemas potenciales antes de que éstos ocurran. Los storyboards incluyen instrucciones o apuntes necesarios que servirán al equipo de trabajo para que éste se desarrolle dentro de un plan pre-establecido. Gracias a este elemento, el director puede desglosar y segmentar su filmación sin seguir estrictamente el orden lógico de la trama.
El proceso de storyboarding, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en el estudio de Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios años de procesos similares que fueron empleados en Disney y otros estudios de animación. El Storyboarding se hizo popular en la producción de películas de acción viva durante principios de los años 1940.
En la creación de una película con cualquier grado de fidelidad a una escritura, un «storyboard» proporciona una disposición visual de acontecimientos tal como deben ser vistos por el objetivo de la cámara. En el proceso de storyboarding, los detalles más técnicos complicados en el trabajo de una película pueden ser descritos de manera eficiente en el cuadro (la imagen), o en la anotación al pie del mismo.

Vanguardias

Les paso algunos links sobre vanguardias...

http://cineblog.blogia.com/temas/cine-y-vanguardias.php
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque1/index.html
http://www.italica.rai.it/scheda.php?monografia=cinema&scheda=cinema_schede_neorealismo1
http://www.cinematismo.com/category/cine-surrealista/
http://www.elloroestepario.com/cinematografia2.html
http://cinecam.wordpress.com/historia-del-cine/las-primeras-vanguardias/vanguardias-rusas/
http://www.duiops.net/cine/nouvelle-vague-francesa.html
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cinerevolucionario.htm

El lenguaje cinematográfico

El lenguaje audiovisual
Paso los links de las tres partes y el cuadro a completar

http://www.youtube.com/watch?v=wXQn38iyH4s

http://www.youtube.com/watch?v=ReevYm4RNv4&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=f-qyykBjeZQ&feature=related

Para completar el siguiente cuadro a partir de los videos.

Movimiento de cámara
Panorámica
Travelling


Montaje

Encadenado
Fundido
Barrido

Punto de vista

Normal
Contrapicado
Contrapicado
Aberrante
Subjetivo


Planos

General
Americano
Medio
Primer Plano
Plano Detalle

Mario Gallo y el cine mudo argentino

Mario Gallo y el cine mudo argentino
Publicado por GUILLERMO MAYR 10 de febrero de 2008
La historia del cine mudo argentino permanece desconocida para la gran mayoría del público cinéfilo. Sólo nombrada en referencias bibliográficas, sus imágenes están ausentes en las pantallas. Lamentablemente, una gran parte de las películas se ha destruido, pero lo que se ha conservado merece una atenta mirada del público contemporáneo.
Indagar en la historia de este período implica entrar en una zona de incertidumbre, donde muchas veces sólo se conservan recuerdos y opiniones, donde las distintas fuentes e interpretaciones son contradictorias y donde las fechas son confusas y no existe documentación segura. El introducirse en este terreno permite entender de otra manera el desarrollo posterior del cine argentino y a la vez conocer más profundamente la génesis de la sociedad argentina del siglo XX.
Se ha instalado en la memoria colectiva como fecha de inicio del cine nacional la del estreno del primer film sonoro -"Tango"- el 27 de abril de 1933 en el cine Real. Los autores de la idea y concreción del proyecto fueron Angel Mentasti y Luis José Moglia Barth, quien encaró la dirección con la experiencia de algunas realizaciones mudas en los años veinte ("Puños", "Charleston y besos", "El 90" y "Afrodita"). Producida por una de las empresas pioneras de la industria cinematográfica argentina, la recién nacida Argentina Sono Film, la película logró reunir por única vez en el elenco a las figuras más populares del teatro, la radio y el disco. Pepe Arias, Luis Sandrini, Libertad Lamarque, Tita Merello y Azucena Maizani, y las orquestas de Juan de Dios Filiberto, Osvaldo Fresedo y Pedro Mafia entre otros. Sin embargo en los treinta y cinco años anteriores al estreno de "Tango", se desarrolló en la Argentina una filmografía de la que se han catalogado unos doscientos títulos.
Alrededor de 1894 arribó a Buenos Aires el kinetoscopio -inventado por Thomas A. Edison (1847-1931)-, un acontecimiento que el conocido periodista José Seferino Alvarez -Fray Mocho- (1858-1903) menciona en una crónica de la época en la revista "Caras y Caretas". La primera exhibición cinematográfica propiamente dicha se realizó el 18 de julio de 1896 en el Teatro Odeón, donde se proyectaron entre otras cintas "La llegada del tren" y "La salida de los obreros de la fábrica" de los hermanos Louis y Auguste Lumière. Respondiendo al auge económico de fines del siglo XIX y a la cultura europeizante de las clases altas de la época, el inmigrante belga Henri Lepage (1865-1940) instaló en 1891 una casa de artículos fotográficos que introdujo las últimas novedades de la tecnología. Así llegaron al país el fonógrafo, la fotografía estereoscópica, la fotografía en color y los primeros aparatos de rayos X. Hacia 1897, impulsado por dos de sus empleados, el francés Eugene Py (1859-1924) y el austríaco Max Glücksmann (1875-1946), importó los primeros aparatos de cine: un cronofotógrafo "Elgé" de Gaumont-Demeny de 1897 y un cinematógrafo "Phaté", fabricado por la Compañía General de Fonógrafos, Cinematógrafos y Aparatos de Precisión Pathé Freres de París.

Ese mismo año Eugene Py realizó un corto de 17 mm. titulado "La Bandera Argentina" que mostraba el pabellón flameando en la Plazo de Mayo, corto que fue considerado durante mucho tiempo como el primer film argentino, aunque actualmente se sabe que un alemán -Friedrich Figner- filmó tres cortos con imágenes de Buenos Aires un tiempo antes que Py.
Al año siguiente se rodaron dos cortos más "Guemes" y "Sarmiento" atribuidos a Pedro N. Arata. Un dato de gran interés es que en 1899 se registraron los primeros documentales científicos a nivel mundial: unas operaciones quirúrgicas realizadas por el parasitólogo Alejandro Posadas.
Inaugurando el nuevo siglo, Py registró el documental "Viaje del Doctor Campos Salles a Buenos Aires", que muestra la visita que hizo el presidente electo de Brasil a la ciudad rioplatense. Comenzó en esos días la expansión de las salas cinematográficas y se realizaron variados registros de actualidades. Se conserva actualmente un noticiero realizado por la firma Max Glücksmann -comprador del negocio de Lepage- acerca de la ascensión del globo "Huracán" (1908). El film permite apreciar un correcto trabajo fotográfico y constatar el interés que despertaba la presencia de la cámara (un niño y un adulto se obstinan en colocarse dentro del encuadre, haciendo el niño un histórico corte de manga).
Eugene Py y Max Glücksmann ensayaron sincronizar imágenes con sonidos fonográficos, elaborando casi cuarenta cortos en los que colaboraron los músicos Alfredo Gobbi (1912-1965) y Angel Villoldo (1861-1919). Un aficionado, Eugenio E. Cardini (1880-1962), hizo los primeros intentos de cortometrajes de ficción, entre ellos "El regimiento ciclista", "En casa del fotógrafo" y "Escenas callejeras", todos de 1901.
Mario Gallo, un músico italiano nacido en Barletta, Puglia, el 31 de julio de 1878, que pasó de dirigir coros de opereta a tocar el piano en funciones cinematográficas tras su arrivo a la Argentina en 1905, tal vez alentado por su participación en este novedoso medio, luego de realizar dos cortos de actualidades, rodó el primer film argumental argentino. Existen divergencias en cuanto a cuál fue la primera obra. Según la versión tradicional de Pablo C. Ducrós Hicken (1903-1969) investigador e historiador especializado en cine, éste fue "El fusilamiento de Dorrego" estrenado el 24 de mayo de 1908. Esta película surgió de la sociedad entre Mario Gallo, Pablo Epstein y Julián de Ajuria, quien en 1912 y en forma independiente fundó la Sociedad General Cinematográfica, la empresa que impuso el sistema de alquiler de copias en vez de la venta de las películas.
Otros investigadores fechan su rodaje dos años después, lo que significaría que la primera película sería "La Revolución de Mayo" de 1909, también de Mario Gallo. En cuanto a "El fusilamiento de Dorrego" el rodaje se desarrolló en la terraza del Teatro Nuevo. Fueron sus protagonistas los renombrados Salvador Rosich, Eliseo Gutiérrez y Roberto Casaux. Las opiniones son disímiles, oscilan entre quienes lo consideran una correcta expresión a la manera de su época y quienes opinan que fue un mamarracho incomprensible. A los espectadores contemporáneos les queda sólo la tristeza de saber que esta incógnita no se puede revelar ya que de ésta, como de la mayor parte de las obras del cine mudo argentino, no han quedado copias.
Se conserva en cambio una copia de "La Revolución de Mayo". Se puede apreciar que efectivamente su lenguaje está emparentado con el del cine francés de su tiempo. La acción es eminentemente teatral, los decorados pintados en telones (el Cabildo flamea al soplar el viento), la cámara toma el lugar de un espectador y la narrativa queda a cargo de los intertítulos, funcionando la imagen a la manera de la ilustración de un texto. Al ser Gallo un inmigrante italiano, es natural que sus films utilizacen las formas de lenguaje que imperaban en ese momento en Europa, y resulta interesante que la elección argumental se inspirase en hechos de la historia argentina.
Pese a no haber tenido gran repercusión en el público, Gallo continuó con la aventura del cine fundando la "Mario Gallo Films". Curiosamente, dos de sus películas se basan en relatos con los que pasados más de 60 años, se realizaron films que tuvieron gran éxito de público: Juan Moreira y Camila O'Gorman. Efectivamente, en 1973 Leonardo Favio filmó "Juan Moreira" y María Luisa Bemberg realizó "Camila" en 1984.
Gallo siguió produciendo films referentes a la historia argentina -"Guemes y sus gauchos" (1909), "La creación del Himno" (1910), "La batalla de San Lorenzo" (1912) y "La batalla de Maipú" (1912), pero también, fiel a sus orígenes, realizó una versión de "Cavallería Rusticana" en 1919.
En sus películas participaron como actores los prestigiosos Blanca, Pablo y Arturo Podestá, Alberto Ballerini, Enrique de Rosas, Enrique Muiño y el siciliano Giovanni Grasso; y como guionistas Vicente Martínez Cuitiño, José González Castillo, Joaquín de Vedia y Belisario Roldán, respetados dramaturgos.
La actividad de Mario Gallo, fallecido en Buenos Aires en 1945, comenzó la aventura de la producción cinematográfica argentina, empresa que a un siglo de iniciada sigue regida por el signo de la incertidumbre.

Inicios del montaje

The Great Train Robbery
Narra el asalto a un tren por parte de unos bandidos. Escrita y dirigida por Edwin S. Porter, a quien se le atribuye en ocasiones la paternidad del cine de ficción, Porter trabajó en el estudio de Thomas Alva Edison, creando la que sería la primera película estadounidense importante. De 8 minutos de duración, "Asalto y robo de un tren" influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el género escogido (western) y sobre todo el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Al hacer esto, Porter inició el montaje, uno de los fundamentos de la creación cinematográfica, proceso en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas —o disponibles— se reúnen para conseguir un conjunto coherente. Asalto y robo de un tren tuvo un gran éxito y contribuyó de forma notable a que el cine se convirtiera en un espectáculo masivo. Las pequeñas salas de cine, conocidas como nickelodeones, se extendieron por Estados Unidos, y el cine comenzó a surgir como industria.

http://www.youtube.com/watch?v=Bc7wWOmEGGY

Meliè, "El viaje a la luna"

http://www.youtube.com/watch?v=7JDaOOw0MEE&feature=related

El Club de Astrónomos ha diseñado un ambicioso proyecto para viajar a la luna. Gracias a un cañón, el cohete con los científicos sale a toda velocidad y llega a su destino. Después de una cuidada observación de la superficie, descubren que la luna está habitada por población hostil; los selenitas atrapan a los científicos y se disponen a ejecutarlos, pero éstos consiguen escapar y regresar al proyectil. A falta de un nuevo cañón que les impulse, lanzan el cohete por un barranco. Tras una peligrosa caída vertical por el espacio, el cohete llega al océano y los científicos son rescatados y recibidos entre aclamaciones.

Georges Méliès, regente de un teatro de variedades, fue uno de los asistentes al estreno del cinematógrafo Lumière y a partir de ese momento decidió sustituir los espectáculos por proyecciones cinematográficas. Un día, rodando en la plaza de la ópera de París, se atascó la máquina; tras parar el rodaje y solucionar el problema, continuó filmando pero, al revelar la cinta, observó que un autobús se “transformaba” de repente en una carroza fúnebre. Esto se convirtió en el paso de manivela. Gracias a este recurso, Méliès pudo filmar gags de magia como “Desaparición de una dama” (1896).

Méliès creó así un universo fílmico propio, muy original, con un equilibrio perfecto entre lo fantástico y lo cómico, encadenando trucos imaginativos con un sentido ingenuo, fácil de conectar con el público popular.


Aunque todas sus películas mantienen la idea de teatro filmado con que había nacido el cine (es decir, uso de planos generales, luz natural, etc.), Méliès ofrece una cuidada ambientación, con sucesión de escenas y gran ritmo narrativo. Esta fórmula le reportaría éxito en todo el mundo.

La salida de los obreros de la fábrica

http://www.youtube.com/watch?v=xxLGDF_121U

El mismo Luis Lumiēre encarnaría la figura del mesías del documental, no solo con su gran invento, sino también con el primer film documental, el plano secuencia Trabajadores saliendo de la Fábrica Lumiēre, de 1895. Luego vendría la presentación pública del invento donde Lumiēre proyectó dicho film. Después de esa presentación siguieron otras en diferentes partes de Francia, creando una gran incertidumbre. Lumiére no solo se limitó a presentar este film, sino que realizaría otros, incluyendo a personalidades importantes que venían a ver su invento y que sin saberlo habían sido capturados por la lente de Lumiēre, para después, con gran sorpresa, verse retratados en los filmes a los que asistían.

Pero los planes de Lumiēre no se limitaban a estas demostraciones. Con gran visión y astucia se dedicó a contratar y entrenar un pequeño ejército de viajeros que se encargarían de llevar su invento a todos los rincones del planeta; personas que al mismo tiempo se fueron a documentar dichos lugares y a mostrar algunos filmes ya realizados por Lumiēre.

Su personal se encargó de capturar filmes de un solo plano, llamados “películas de actualidad”, donde se retrataban momentos tales como la llegada de botes a un puerto, la aproximación de un tren, gente trabajando, etc. De esta manera, esta etapa temprana del nacimiento del cine estuvo marcada por la moda de mostrar un evento en cortos lapsos de tiempo, debido principalmente a que las cámaras solo podían contener pequeñas cantidades de film, muchos de ellos de un minuto o menos de duración.